Críticas

Zootopia 2 consolida-se como um grande fenômeno da história da animação. O longa tornou-se um sucesso global, arrecadando impressionantes US$ 1,46 bilhão em bilheteria mundial, superando Frozen 2, que desde 2019 detinha o recorde com US$ 1,45 bilhão. Somente nos Estados Unidos, a animação acumulou US$ 333 milhões, enquanto o mercado internacional respondeu por US$ 1,13 bilhão. Diante desses números, a pergunta é inevitável: por que tamanho sucesso?

Depois de um Volume 2 pra lá de destoante com tudo o que a série havia proposto até então, finalmente chegamos à conclusão de uma das produções de maior sucesso da história da televisão mundial. Para fãs ou haters, uma verdade é inegável: a série se tornou um marco da cultura pop. Reuniu um elenco extremamente cativante, que ficou no coração do público, em um fenômeno comparável a Star Wars ou Harry Potter. Eu poderia escrever uma redação inteira apenas elencando as evidências de o quanto esse trabalho é icônico, mas aqui o foco é o tão aguardado episódio final.

No início do século 20, onde os Estados Unidos passam por muitas transformações, vemos a história de um simples lenhador que lida com enormes emoções, o amor incondicional, a paixão e a perda. Um filme produzido pela Netflix onde já é favorito para indicações ao Oscar.

Quando o assunto é Vince Gilligan, a expectativa por grandes ideias é quase automática. Diretor e roteirista à frente de seu tempo, Gilligan construiu sua carreira explorando subtextos complexos e questionamentos profundos sobre moralidade, ética e transformação humana. Esse DNA autoral está presente em praticamente todas as suas obras e reaparece em Pluribus, nova série da Apple TV+, que marca o reencontro criativo com Rhea Seehorn, após a consagrada parceria em Better Call Saul.

Novo longa do renomado e premiado cineasta Guillermo del Toro, vencedor do Oscar, Frankenstein surge como um dos projetos mais seguros, e também mais modestos, de sua carreira. Desde O Labirinto do Fauno, considerado por muitos (inclusive este crítico) como sua obra mais autêntica, o diretor não havia apresentado um filme tão contido em termos criativos. Aqui, del Toro opta claramente por “andar no seguro”, entregando uma adaptação extremamente fiel ao romance clássico de Mary Shelley, a ponto de se aproximar de uma reprodução quase literal da obra original.

A partir deste ponto da quinta e última temporada de Stranger Things, já é possível observar nuances que indicam um certo desgaste criativo. A Netflix e os irmãos Duffer passam a demonstrar fragilidades nos arcos centrais da série e, logo de início, o Volume 2 se apresenta como uma das fases mais problemáticas desta temporada. A principal razão está na baixa relevância das revelações para a história central: nada do que é mostrado ao longo dos três episódios surpreende de fato o público. Grande parte das soluções narrativas já havia sido amplamente especulada pelos fãs e remete a ideias reaproveitadas de outros projetos do gênero, resultando em um conjunto previsível e pouco ousado.

A animação segue sendo um dos territórios mais férteis para a criatividade no cinema contemporâneo. Sem as amarras do realismo, o gênero permite ousadias estéticas e narrativas que dificilmente seriam possíveis em produções live-action. Desde Homem-Aranha no Aranhaverso, considerado um divisor de águas na história das animações, o setor não parou de se reinventar. Guerreiras do K-Pop, nova aposta da Netflix, surge como um exemplo claro dessa evolução ao unir musical, romance, cultura coreana e intensas cenas de ação em uma proposta singular.

Retornando à direção em seu mais novo filme da franquia Avatar, James Cameron retoma a proposta desenvolvida em Caminho da Água, atraindo a atenção do público novamente para a qualidade inquestionável dos efeitos especiais executados aqui. Com isso, a trama retrata a família de Jake e Neytiri, interpretados por Sam Worthington e Zoe Saldaña respectivamente, enfrentando uma tribo Na’vi hostil, liderada pela implacável Varang, interpretada por Oona Chaplin, à medida em que os conflitos em Pandora se intensificam e surgem desafios em relação à sobrevivência do núcleo de personagens.

Adaptando a história do best-seller escrito por Freida McFadden, A Empregada (originalmente “The Housemaid”) retrata a personagem interpretada por Sydney Sweeney como mulher em dificuldades uma que recomeça como empregada doméstica para um casal rico. Além disso, o filme conta com a direção de Paul Feig e o roteiro assinado por Rebecca Sonnenshine e pela própria autora do livro na qual houve inspiração.

Escondido entre o vasto catálogo da Amazon Prime Vídeo, o que imediatamente chama a atenção é o elenco estelar estampado em seu cartaz: Ana de Armas, Vanessa Kirby, Sydney Sweeney, Jude Law e Daniel Brühl. Só isso já é, no mínimo, motivo suficiente para dar uma chance ao filme. A arte promocional reúne todos os nomes de destaque de forma proposital, justamente para fisgar o espectador. O que mais impressiona, no entanto, é o fato de que toda a história, por mais inusitada que pareça, é baseada em eventos reais. Esse detalhe funciona quase como um grande plot twist prévio e nos faz questionar, ao longo da narrativa, como tudo aquilo realmente pôde acontecer e até onde pode chegar a ganância humana.

Depois de muitas especulações e de uma produção pra lá de demorada, finalmente chegamos ao ano de lançamento de It: Bem-vindo a Derry, série ambientada no mesmo universo do palhaço mais assustador de todos os tempos. Uma temporada com oito episódios naturalmente traz riscos, sobretudo o de saturar a imagem do grande antagonista. Felizmente, isso não acontece. A Coisa, em sua forma mais icônica (o palhaço Pennywise), demora a aparecer. Ele está sempre presente, mas assume outras formas, estratégia que mantém o mistério e evita o desgaste da já consagrada caracterização de Bill Skarsgård.

O Filho de Mil Homens é um filme contemplativo, que pode facilmente se tornar monótono para quem não está acostumado com tramas mais lentas. Desde o primeiro ato, o longa já nos sinaliza o que esperar dos seus minutos de duração: uma narrativa calma, ambientada em um cenário costeiro brasileiro, que pouco se altera ao longo da trama. A história segue quatro personagens cujas trajetórias se cruzam, e o final revela o motivo dessa ordem e a importância dos encontros.

Mais uma trama extremamente empolgante dentro do universo muito bem construído por Rian Johnson. É sempre positivo ver o surgimento, e a consolidação, de novas franquias. Neste terceiro filme, já sob o selo da Netflix desde o capítulo anterior, temos o longa mais conciso da série, tanto em termos de produção quanto no recorte espacial da narrativa. Ainda assim, o roteiro permanece altamente envolvente. Ao menos do meu ponto de vista, foi impossível me desligar do filme ou até mesmo pausá-lo, tamanha a curiosidade em descobrir como o crime foi executado e quem o cometeu.

O mundo contemporâneo não entende mais o trabalho como algo apenas mecânico, destinado apenas para o sustento financeiro da vida humana, mas sim como uma ação multifacetada que influencia o modo como vivemos. Ainda assim, muitos tipos de trabalho são vistos de forma negativa e/ou simplesmente têm sua importância menosprezada, como é o caso da locação familiar, muito presente no Japão e que ganha destaque na obra da vez: Família de Aluguel.

Um Famoso astro de cinema, Jay Kally (George Clooney) sai em uma viagem inesperada para Europa, juntamente com a sua equipe e o seu dedicado empresário, Ron (Adam Sandler), onde ao longo da viagem vão enfrentando o seu passado e as escolhas feitas nele.

Marcando o retorno de toda a equipe envolvida no longa-metragem de 2023, Five Nights at Freddy’s 2 realça o propósito dessa franquia cinematográfica, consolidando um padrão de adaptação determinado a estruturar a história explorada nos games de modo a transparecer coerência em sua abordagem. Sobre a trama, o filme se passa um ano após o pesadelo sobrenatural na Freddy Fazbear’s Pizza, acompanhando os mesmos personagens do primeiro FNAF.

Finalmente, o público retorna a Hawkins e ao temido “Mundo Invertido”, agora com a promessa de revelar a origem da trama que alimenta teorias desde 2016. Logo nos primeiros minutos, fica evidente que os irmãos Duffer buscaram entregar algo grandioso e, ao menos nesta primeira parte, cumprem o que prometeram. O investimento da Netflix salta aos olhos, refletindo a importância de sua série original mais influente. Afinal, a plataforma não possui um histórico tão positivo de encerramentos satisfatórios. Três de seus maiores fenômenos sofreram com o excesso de temporadas e a perda de rumo: Round 6, La Casa de Papel e House of Cards.

O mais recente trabalho de Yorgos Lanthimos, Bugonia (2025), reafirma o estilo singular do diretor grego, conhecido por misturar absurdismo, sátira e ficção científica. A obra surge como uma releitura ousada de um filme sul-coreano de 2003 (Save the Green Planet!), trazendo para o público ocidental uma narrativa que combina paranoia, humor negro e crítica social. A produção é fruto da parceria contínua entre Lanthimos e Emma Stone, que já havia brilhado em Poor Things e Kinds of Kindness. Aqui, ela assume um papel central como a CEO sequestrada, supostamente alienígena, em uma trama que questiona os limites entre realidade e delírio.

Voltamos ao “mundo de Oz”, agora com grandes reviravoltas e novas canções. Logo ao iniciarmos a segunda parte do espetáculo, percebemos que ela é mais “fraca” que a primeira - um consenso entre os maiores fãs. Isso já reduz um pouco a expectativa em relação ao novo longa. Para quem aprecia musicais, há menos números musicais do que no original, e até mesmo a duração do filme é significativamente menor. Assim, resta contar com o carisma e o talento de Ariana Grande e Cynthia Erivo para conduzir a narrativa. Mas será que isso aconteceu?

Truque de Mestre - O 3º Ato chega aos cinemas sem grandes surpresas em relação aos capítulos anteriores, preservando a fórmula que consagrou a franquia, mas arriscando pouco em termos de inovação. Os Cavaleiros retornam ao centro da narrativa, acompanhados de rostos conhecidos e novos personagens que, introduzidos de maneira estratégica, servem como combustível para manter o ritmo e para expandir o universo da série, uma jogada eficiente do diretor Ruben Fleischer.